Giovanni
Colalillo

Giovanni (Gianni) Colalillo (1964) è dottore fisioterapista osteopata. Autodidatta, il suo percorso artistico inizia nel 1978, quando comincia a dipingere per sé stesso, in un dialogo intimo con la materia e il colore. Per molti anni ha custodito gelosamente la propria produzione, scegliendo solo nel 2010 di condividere la sua arte con il pubblico. La sua pittura è caratterizzata da una forza espressiva vorticosa, dove il gesto sicuro e istintivo traccia percorsi di luce e colore, creando composizioni cariche di suggestioni e trame. Ogni opera diventa così un'impronta visiva della sua interiorità, tradotta con potenza e rigore in un linguaggio pittorico che coniuga carattere e maestria. Socio della Società Promotrice delle Belle Arti in Torino dal 2009 al 2025, ha partecipato ogni anno alle loro mostre collettive. Ha scritto della sua ricerca Guido Folco, editore e direttore di Italia Arte.

Vive e lavora a Isernia.

Antologia 

"La sua pittura tocca temi legati alla vita umana, nei principi della vita stessa, narra la tensione di un sentimento pulito e sincero, semplice e profondo, che si relaziona ad un mondo poetico. Rilevante è l’uso del colore forte e intenso, che svela la sua insinuante energia interiore."
- Daniela Gabbi

 "Colalillo rappresenta la realtà anche attraverso il segno dinamico, rapido, dialogando con lo spazio e la struttura geometrica delle forme, fino a toccare lirismi musicali e ritmici senza pari. Per l’artista la pittura pura energia espressiva che erutta dalla tela come colata lavica, un’immagine totalizzante che non tiene conto dello spazio, superandone barriere e confini."

- Guido Folco 

 "Colalillo, sondando la sfera del dualismo tra vita e spirito, presenza e assenza, interpreta il desiderio e l’aspirazione alla purea e alla libertà, all’eternità e alla vita. Il segno è flessuoso, le linee delineano contorni e zone d’ombra e di luce, di colori complementari e opposti, ricreando in pittura l’energia fluente dell’universo."

- Guido Folco 

 "Colalillo dipinge lasciando libertà alla mente e al segno di esprimere sé stesso e le proprie pulsioni, emozioni che assumono la forma dell’idea, del pensiero, dell’amore, la forma di un’arte che induce al confronto, alla riflessione costante con l’Io."

- Guido Folco 

Testo critico sull'artista di Tommaso Evangelista

Il quadrato sacro. Note su pittura, energia e spazio di confine 

Nella pittura di Gianni Colalillo prende forma una costruzione segnica che si sviluppa come un percorso interiore, dove la trama, ereditata dal tessuto, riaffiora poeticamente in superficie attraverso spatolate calibrate. La pennellata si fa tessitura visiva, viva, in un intreccio di segni che, pur mantenendo una precisione controllata, vibrano di un’energia emozionale profonda.

I segni pittorici non sono semplici tracce, ma elementi strutturali che generano una nuova armonia, basata sull’interazione dinamica dei colori complementari. Il loro accostamento non è mai arbitrario, ma costruisce un equilibrio raffinato che si avvicina a un astrattismo lirico, capace di trasmettere impulsi senza perdere rigore compositivo. In questo processo, la pittura si confronta con le problematiche della trascrizione e della tessitura visiva, quasi come in un mosaico sfaccettato e iridescente. Ogni segno diventa una tessera, un frammento che cattura la luce e la rifrange, creando un effetto di profondità e movimento. La superficie si anima di variazioni percettive sottili, in cui la materia pittorica assume un valore evocativo, trasformando il quadro in un organismo vibrante, dove memoria, gesto e colore si fondono in un unico respiro espressivo.

Il colore, in particolare, si manifesta come una incandescenza visiva, un’energia vibrante che emerge da una soglia percettiva, simile a una cortina che al tempo stesso definisce il piano dell’opera e ne suggerisce la profondità. Questo spazio cromatico sospeso accoglie segni concreti e gestuali che si posano sulla superficie come riflessi, evocando una narrazione stratificata che si sviluppa per cicli. Ogni ciclo introduce nuove varianti espressive, ma è nell’ultimo che si compie la sintesi più efficace e innovativa: un linguaggio raffinato, capace di generare connessioni senza mai eccedere, mantenendo un equilibrio tra intuizione e costruzione, tra emozione e struttura. La pittura, così intesa, non si limita a essere rappresentazione, ma diventa un campo di forze in cui la luce e il colore dialogano, dissolvendo rigidità e creando un continuum in cui il visibile e l’invisibile si fondono in un’esperienza sensoriale e concettuale unitaria. La tessitura della trama definisce il carattere dell'opera: può essere statica, dinamica, in tensione o in apparente immobilità, ma sempre animata dalla luce. Quest’ultima libera le costruzioni, attenuando la rigidità e l’ossessività delle geometrie, donando respiro e profondità alla composizione.

La spatolata si carica di un’intensità emozionale che va oltre il gesto pittorico, incidendo direttamente nella materia e trasformando la superficie in un filtro vibrante, attraverso il quale affiora uno schema cromatico in continua metamorfosi. Talvolta rigoroso e geometrico, altre volte libero e istintivo, questo tessuto pittorico evoca la lezione di Rothko e degli espressionisti astratti, dove il colore si fa spazio, profondità, risonanza interiore. Le creste materiche, generate dalla densità variabile della pittura, non sono semplici rilievi, ma vere e proprie direttrici di energia che orientano le tensioni interne dell’opera. La diversità di spessore e consistenza altera le relazioni tra gli elementi costitutivi, ridefinendo l’equilibrio tra controllo e casualità, tra struttura e vibrazione.

In tale processo, segni, tracce e frammenti emergono come un archivio visivo della forma, una memoria meccanica e stratificata che si deposita sulla superficie in livelli successivi. Il colore, lungi dall’essere un mero elemento decorativo, diventa materia viva, depositaria di un vissuto pittorico che trasforma il piano in un campo di forze in cui emozione e costruzione si intrecciano.

Questa interpretazione del piano in chiave emotiva si nutre dell’alternanza tra gesto e sedimentazione, tra intenzionalità e imprevisto. Ne scaturisce una superficie densa di tensioni interne, dove ogni intervento lascia una traccia che dialoga con le precedenti, costruendo una grammatica complessa e stratificata. L’opera si rivela così come un organismo pulsante, un palinsesto nel quale la pittura non è mai statica ma si rigenera continuamente nel rapporto tra luce, materia e memoria. La pittura si fa scomposizione luminosa, in un gioco di rifrazioni dove il susseguirsi ossessivo di triangoli sottili riduce linee e superfici a puri indicatori cromatici. Questa geometria pulsante, simile a un reticolo in costante vibrazione, suggerisce la presenza latente di un paesaggio che affiora da una coltre di luce frammentata. Non una rappresentazione diretta, ma una visione filtrata, che si rivela per stratificazione e sottrazione.

Paul Klee affermava che “l’arte è l’immagine allegorica della creazione”, e proprio in questa visione si inserisce la pittura come rivelazione di realtà altre, percepite attraverso i sensi. Qui, l’integrazione tra movimenti diagonali e concentrici, unita alle gradazioni cromatiche, genera un dinamismo sottile: i colori complementari, disposti in opposizione rispetto a un centro invisibile, si sfaldano e si sovrappongono, producendo variazioni atmosferiche che dissolvono la rigidità del quadrato in un flusso continuo.

Questa è un’architettura del piano, un incrocio di velature che conduce a massime concentrazioni di forze. Le forme, spogliate del superfluo e sottotraccia, si liberano in una tensione cromatica che non descrive, ma evoca, determinando impressioni quasi naturalistiche, percepibili come meditazioni ai confini dell’astrazione e del sacro. Il colore, intriso di una profondità instabile, si carica di un’energia latente, emergendo sporco e sottile, segnato da un nero superficiale che ne spezza la purezza e lo rende autonomo dalla particolarità delle cose. In questo processo, la pittura diventa un campo magico in cui il visibile e l’invisibile si intrecciano, dando vita a un linguaggio dove luce, forma e materia si fondono in un equilibrio precario e vibrante.

Scomporre e riconfigurare significa cercare consonanze universali all'interno di spazi transitori, luoghi di confine in cui la percezione si fa instabile e mutevole. Lo spazio, lungi dall’essere inerte, è una distesa in potenza, attraversata da correnti di forza che ne rivelano la tensione interna. Tali energie, visibili e scomponibili, emergono come tracce dinamiche che danno vita a strutture temporanee, forme libere che si radicano nello spazio bidimensionale sottostante, in un equilibrio precario tra ordine e dissoluzione. Sono percorsi di profondità, visioni momentanee che affiorano per poi svanire, interrotte da scaglie sottili, simili a squame evanescenti. Queste non definiscono un perimetro, ma suggeriscono la forma rendendo al contempo impercettibile la struttura. L’impressione generale è quella di un’osservazione analitica sulle energie latenti, un’indagine che cerca nel flusso della materia un accadimento visibile, un orientamento possibile, una rotta cosmica. Il quadr(at)o diventa così una porzione del "tutto", un frammento che si fa luogo di meditazione e sospensione, dove il segno e il colore tracciano coordinate in uno spazio sacro, carico di eventi segnici e tensioni percettive.

Per Colalillo, la pittura è una struttura percettiva, metaforica e spirituale. L’opera si sviluppa come un cammino sacrale, un processo di rivelazione in cui l’artista, attraverso allusioni segniche e trame scomposte, rende visibile l’invisibile. Il vuoto non è assenza, ma movimento sotterraneo, presenza che si manifesta nel respiro della materia pittorica. Il colore non si limita a costruire, ma assorbe e trasfigura, rendendosi esso stesso sostanza del divenire. In tale spazio di forze e dissolvenze, la pittura si fa specchio di un equilibrio instabile, un luogo di tensione in cui il segno diventa testimonianza di un mondo (interiore) in continua trasformazione.